音楽をただの「演奏」として捉えることのリスクについて、皆さんは考えたことがあるでしょうか？演奏が楽譜の表面的な再現に終わってしまうことは、音楽が持つ深い意味やメッセージを伝える力を奪ってしまう可能性があります。では、音楽の創造的な表現をどのように守るべきなのでしょうか？ 「Instrumentalising Creativity: Depriving Musical Expression of Meaning」（J. Rimas ら、2002）【Amazon】によれば、音楽が道具的に扱われることで、音楽の持つ本来の意味が失われつつあるとされています。この「Instrumentalising Creativity: Depriving Musical Expression of Meaning」では、音楽表現がどのように創造性を欠いた表面的な「演奏」に陥っているのか、またそれが音楽文化にどのような影響を与えているのかについて考察されています。以下では、具体的な内容について詳しく解説していきます。
演奏者が「演奏者」にとどまることで失われるもの
「Instrumentalising Creativity: Depriving Musical Expression of Meaning」の冒頭では、演奏者が楽器に依存する存在として位置づけられている現状が指摘されています。例えば、バイオリニストやフルート奏者など、「〜奏者」と呼ばれることは、演奏者が楽器に一体化されてしまうことを意味しています。これは、楽器が単なる道具であるにもかかわらず、その道具にあたかも依存しているかのように扱われることに他なりません。
本来、演奏はただの「再現」ではなく「解釈」であるべきであり、楽譜の意味を深く理解し、それを表現する行為が求められます。しかし、現代の音楽においては、多くの演奏者が表面的な演奏に満足し、楽譜が意味するものについて深く考察することなく音に変換することが一般化しています。結果として、演奏は単なる「習慣」になり、本質的な部分が見過ごされがちであると論じられています。
大衆文化がもたらす音楽表現の希薄化
次に、この「Instrumentalising Creativity: Depriving Musical Expression of Meaning」では、現代の大衆文化が音楽に与える影響について触れられています。大衆文化が音楽表現を安易に消費できるものとして位置づけ、表現の深みを損なっているという批判が展開されています。例えば、ポップスターとクラシック音楽団が共演するイベントが頻繁に開催されることによって、音楽の芸術的な価値が失われ、大衆の趣向を満たすために「価値の低い音楽」がもてはやされる傾向が指摘されています。
このような状況では、音楽表現に対する深い理解や技能の重要性が失われ、単なる技術的な「完成度」のみに重きが置かれる危険性があります。シューマン（Robert Schumann）の「技術はより高次の目的に奉仕するためのものだ」という言葉が引用され、技術が自己目的化してしまうと、音楽が本来持つべき意義が失われてしまうと指摘されています。
テクニックの暴走: 音楽の「技術至上主義」
さらに「Instrumentalising Creativity: Depriving Musical Expression of Meaning」では、現代の音楽教育や演奏の場で見られる「技術至上主義」にも警鐘が鳴らされています。多くの演奏者は、演奏技術の向上に熱心ですが、その技術を通じて表現する意味についての考察が欠如している場合が多いのです。音楽技術はあくまで音楽表現を支えるための手段であるにもかかわらず、それ自体が目的と化し、演奏者が技術に依存する状態が生まれています。
ここで、ハイデッガー（Martin Heidegger）が提唱する「テクネー（tékhnē）」の概念が言及されています。ハイデッガーにとって、テクネーは単なる技術や技法ではなく、対象を「知る」ための方法です。しかし、現代の音楽の文脈では、テクネーは技術的な演奏能力に限定されてしまい、その背後にある深い理解が見落とされがちです。
音楽表現の「シミュレーション化」
J. Rimas らは、現代の音楽表現が「シミュレーション」に過ぎなくなっている点にも言及しています。ここでのシミュレーションとは、本来の音楽表現の深みや意味を欠いた表面的な再現にとどまることであり、これは哲学者ジャン・ボードリヤール（Jean Baudrillard）の概念を引用して説明されています。ボードリヤールは、シミュレーションが「本物」と「偽物」、「現実」と「幻想」の区別を曖昧にし、人々が真実と虚構の区別ができなくなる状況を批判しました。音楽においても、演奏者が楽曲の本質を理解しているのか、それともただ形だけをなぞっているのかが分からなくなる状態が生じています。
また、プラトン（Plato）の「洞窟の比喩」にも触れられ、現代の音楽表現が真の芸術性から遠ざかり、影に囚われているかのような状況が比喩的に示されています。プラトンの洞窟の比喩は、人々が目にする現実が真実の影に過ぎないことを表現していますが、音楽においても同様に、真の意味に触れないまま表面的なものにとどまっている危険性があると論じられています。
音楽と人間性—価値基盤に基づいた音楽表現の重要性
最後に、この「Instrumentalising Creativity: Depriving Musical Expression of Meaning」では、音楽が失われた価値観や人間性の危機と関連していると述べられています。多くの演奏者は、自己表現ではなく、与えられたものを再現することに専念することで、個性や内面的な意味を失ってしまう危険性にさらされています。
ここでは、哲学者ホセ・オルテガ・イ・ガセット（José Ortega y Gasset）の言葉が引用され、「人間が大衆の一部としてのみ存在し、自己の価値を見出さない」ことが指摘されています。特に音楽文化においても、過度な専門性が「一般教養や文化に対する関心」を追いやってしまい、音楽が文化や価値観との関連性を失いかけているという批判が述べられています。
音楽は単なる音の連なりではなく、社会や文化、そして人間性に根ざした価値基盤を持つ表現手段であると、この論文は強調しています。現代の音楽表現がこれらの価値から切り離されてしまうことで、音楽そのものが持つ意義が失われかけているという問題が提起されています。
まとめ—音楽に意味を取り戻すために
「Instrumentalising Creativity: Depriving Musical Expression of Meaning」によれば、音楽の道具化が進むことで、表面的な技術や演奏にとどまるリスクが高まり、音楽が本来持つべき深い意味が失われつつあるとされています。この論文は、音楽表現の価値を再考し、技術至上主義から脱却して、本質的な意味や価値に立ち返ることの重要性を強調しています。音楽が単なる娯楽として消費されるだけでなく、人間性や文化との関連性を取り戻すための視点を、私たちは再び持つべきかもしれません。
